Prof. Mustafa Aslıer (1925-2015)
INTERVIEW MIT ASLIER
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METALLSCHNITZDRUCKBILDER
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Am TEACHER SCHOOL AND Gazi Education Institute hatte meine Beziehung zur Kunst des Gravierens oder Druckens und Malens begonnen. Wir machten Druck- und Malexperimente mit Linol- oder Holzschnitzdrucktechnik.
Die Bilder, die mich in meinen Zwanzigern beeinflussten, waren die Stiche von Rembrandt oder Goya, wo ich ähnliche Drucke in den Büchern sah.
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Es gab jedoch keine Pressen oder Materialien im Zusammenhang mit diesen Techniken.
Mit Hilfe des Wörterbuchs habe ich die Techniken mehr oder weniger aus französischen Büchern gelernt. Da ich keine Metallformplatte finden konnte, machte ich Pit-Print-Experimente mit Linoleumplatten aus dem Bildbereich.
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Ich habe die Formen verwendet, die ich erstellt habe, indem ich Linols Gesicht abgekratzt und poliert habe, dann mit Hilfe eines Pinsels Natriumhydroxidlösung abgekratzt und aufgetragen habe. Ich habe Ergebnisse im Aquatinta-Geschmack erzielt.
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Da Natriumhydroxid die Bürste schmolz, musste ich sehr schnell arbeiten. Ich habe die Drucke auf der Hautpresse gemacht. Meine Arbeit ging jedoch aus Mangel an Material nicht über technische Experimente hinaus.
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Nachdem die Druckabteilung 1951 nach Istanbul gezogen war, hatte ich die Gelegenheit, eine Grube aus Zinkformen herzustellen. Ich habe Plattenzink als Form und Steinpresse als Presse verwendet.
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Da ich zusätzlich zu meinem Unterricht in den Jahren 1951-1953 alle Illustrationen von drei Wochenmagazinen auf dem Cağaloğlu-Markt machen musste, blieb wenig Zeit für Kunstexperimente.
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Als ich im Oktober 1954 im Auftrag des Staates zur grafischen Ausbildung nach Deutschland geschickt wurde, beseitigte ich technische und materielle Unmöglichkeiten.
Einerseits Gaststudent an der Universität München; Nach 1954 begann ich ein intensives Studienprogramm an der Graphic Arts High School in Stuttgart, wie zum Beispiel Graphic Techniques Engineering.
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Dieses intensive Programm zwang mich jedoch nicht aufgrund der Kunst- und Kunstgeschichtsausbildung, die ich am Gazi Education Institute in der Abteilung für Malerei hatte, und der Physik-, Chemie- und Mathematikausbildung, die ich an der Lehrerschule erfolgreich absolviert hatte.
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Aus diesem Grund setzte ich neben meinem Unterricht meine privaten Kunstexperimente mit den Workshops der Academy of Graphics und der Academy fort.
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Während dieser Zeit hatte ich die Gelegenheit, Originaldrucke und Drucke vieler alter und neuer Künstler in Galerien und Museen zu untersuchen.
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Während dieser Jahre beeinflusste die zeitgenössische westliche Kunst mit klassischen Bildern aus dem Konflikt meine Trainingserfahrung in der Türkei. Ich erhielt den Schock.
Leo Schobinger, mein Grafikprofessor an der Akademie der Grafiken, bei der Eröffnung meiner Ausstellung in der Galerie Senatore; "Wie viele Jahre waren Sie hier und Sie waren nicht von unserer Kunst betroffen, warum?", Fragte eine Frage.
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"Ich versuche, den Effekt zu absorbieren", antwortete ich. Er würde meine Werke weder loben noch essen. Er war auch kein sehr berühmter Künstler.
Mehr Prof. Ich würde Staehles Bewertungen große Bedeutung beimessen.
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Weil er sich bald um das kümmern würde, was er tat, und mich zu seiner eigenen Werkstatt einladen würde. Wir haben ein handbedrucktes Buch mit dem Titel "At the Police Station" für die Zusammenarbeit mit ihm produziert.
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Wir senden uns weiterhin jedes Jahr kleine Originaldrucke.
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1957 erfuhr ich, dass in Istanbul eine Schule für Angewandte Bildende Kunst für Bildung eröffnet wurde. Adolf Schneck, Professor im Ruhestand an der Stuttgarter Akademie, wurde beauftragt, seine Institutionen und Programme vorzubereiten und ein Lehrpersonal mit Künstlern zu schaffen, die er aus Deutschland ausgewählt hatte.
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Es wurde auch beschlossen, an Applied Fine Arts teilzunehmen.
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Als wir 1962 kamen, wurden Herstellung und Importe realisiert. Außerdem habe ich dafür gesorgt, dass eine Tonne von Hauptbuchstaben, die für die freie typografische Gestaltung erforderlich sind, aus dem Ausland und aus dem Inland stammen.
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In jenen Jahren war die Schule für Angewandte Kunst in dieser Werkstatt nur eine voll ausgestattete Werkstatt in der Türkei.
Nachdem ich 1971 zum Direktor der Hochschule für Angewandte Bildende Kunst gewählt worden war, importierte ich durch eine Spende für Siebdruckarbeiten, die bis zu diesem Jahr mit primitiven Werkzeugen durchgeführt wurden, eine neue und moderne Ausrüstung aus Deutschland.
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Bis ich meine privaten Workshops eingerichtet habe, haben wir mit meinen Studenten und Gastkünstlern in diesem Workshop gearbeitet.
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Heute begann ein wichtiger Tod unserer jüngeren Künstler, die fünfzig Jahre alt und berühmt geworden sind, in diesem Workshop ihre ersten Versuche mit Originaldruckmalerei und wurde nach und nach Meister.
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In den 1970er Jahren eröffnete ich meine erste private Druckmalerei in Beşiktaş und die zweite in meinem Haus auf der Insel Marmara.
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In meinen beiden Werkstätten habe ich drei Grubenpressen (40 x 100 cm, 60 x 120 cm und 75 x 150 cm. Drucklängen).
In den Jahren 1962-1972 arbeitete ich hauptsächlich mit Pit-Drucktechniken.
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Ich habe alle technischen Möglichkeiten der Technik ausprobiert, wie z. B. mehrfarbiges Aquatinta-Hochdruck-Co-Printing, und meine Schüler. Ich kann sagen, dass ich mit diesen Techniken meine persönliche Sprache leichter entwickelt habe.
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Als Maler, der sowohl leicht als auch symbolisch zeichnet, haben die Möglichkeiten der Pit-Drucktechnik den Weg für einen reicheren Ausdruck für mich geebnet. Ich konnte bleiben und tun, was ich im Erstellungsprozess wollte.
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Metallschnitzereien machen den größten Teil der Werke aus, die ich in meinem Kunstleben geschaffen habe. In diesen gedruckten Bildern ist es notwendig, die Entwicklungsstadien meiner persönlichen Kunstsprache zu beobachten.
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Es ist leicht, verbale Gründe und Verteidigungen für die resultierenden Werke zu finden. Theorien, die einen unerhörten Einfluss haben, können mit Worten entwickelt werden. Die Hauptsache ist die Authentizität der visuellen Welten, die die Werke getrennt und zusammen schaffen.
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Die Bildung des Kunstobjekts hängt ebenso vom Erreichen der organischen Integrität ab wie von natürlichen Objekten.
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Ich denke, alle Kunstwerke sind Symbole, die anderen Menschen des Künstlers die Botschaft des kreativen Ereignisses vermitteln. In der Kunst des Malens sollte die Arbeit die Ebene des Symbolobjekts erreichen, ohne den Beitrag der visuellen Elemente zur Arbeit zu verringern.
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Die Arbeit, die dieses Niveau erreicht hat, hat ihre eigenständige Form in Bezug auf Zeit und Raum angenommen.
In meinen Arbeiten habe ich gesehen, dass die grundlegende Einfachheit die kreative Fruchtbarkeit erhöht und der übermäßige Reichtum an Gegenständen zu Verwirrung und Korruption führt.
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Bei Menschen, deren Gedanken und Werturteile sich innerhalb der Zeit-Raum-Beziehung ständig ändern, kann die Arbeit, die eine intellektuelle Konkretheit erzeugen kann, von der Zeit-Raum-Abhängigkeit befreit werden.
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Die Zeit verändert ständig den Ort, an dem die Arbeit stattfindet.
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Auf dieser Grundlage sucht jeder Künstler nach einer neuen Zeit und einem neuen Ort.
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Durch die Integration der Arbeitselemente wird es unabhängig von Objektivität und der Zeit und dem Ort, an dem der Künstler geboren wurde. Weil er seinen eigenen Raum geschaffen hat, der nicht mehr von der Zeit beeinflusst wird.
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