Ein Interview mit ASLIER

War es der Beginn Ihrer Lebensgeschichte und ihre Fortsetzung?

Ich wurde in Bulgarien, Kircaal, dem Dorf Cataklar, Deliapriogullari, geboren. Nach meinem Diplom steht das ich von der türkischen Grundschule in Cataklar an. Ich wurde 1927 geboren.

Das Verhalten eines Übersetzungsfehlers wurde 1925 in meiner Geburtsurkunde geschrieben. Weder der Monat noch das Datum sind klar.

Ich wurde in der Grundschule des Dorfes gefunden und die Mittelschule in Bursa.

Ich habe das Balikesir Necatibey Grundschullehrinstitut und trat in das Gazi Education Institute, Department of Art, ein. Nach Abschluss des Instituts im Jahr 1953 ging ich nach Deutschland. Ich hatte eine fünfjährige Ausbildung in München, Stuttgart, Fakultät für Grafik.

Ich wurde von 1958 bis 1959 als Fakultätsmitglied der Nationalen Angewandten Fakultät für Bildende Künste in Istanbul berufen. Ich verstehe eine dieser Institution Original Printart, Publikationsgrafiken und installierte das Original Printart Atelier.

Mein Interesse an Kunst begann bewusst, als ich in der Balikesir Lehrerschule (Balikesir, Lehrinstitut) Krieg, Prof. Kenan ÖZBEL, der sich von der Fakultät für Bildende Kunstverträge hatte, war mein Ausbilder in Bursa, Süleyman Çelebi Secondary School.

Er war in Frage gestellt, der mir den Gedanken bestimmt hat, dass Kunst ein Thema ist, das die größten Menschen verwirrt sind. Gleicher Krieg ich in naturwissenschaftlichen Fächern sehr erfolgreich und ein fleißiger Student. Wenn ich keine Ausbilder gehört, der länger auch Maler Krieg, wie der verstopfen Sırrı Özbay, und ein Ausbilder wie Mahir Gürsel, der letzte einen Bildhauer Hut.

Ich Gleichung, ich würde Arzt oder Mathematiker werden. Ich war mir meine Entscheidung sicher, als ich in der Kunstabteilung des Gazi-Bildungsinstituts eintrat und wurde, war ich verloren. Ich habe erst zu Beginn der ersten Klasse gehört, mit grafischen Elementen zu arbeiten. Meine Ausbilder, Herr Asiinasi Barutçu, Herr Malik Aksel (Maler), Herr Refik Epikman (Maler), alle beleuchteten mich.

Die Fähigkeit der Abteilung hat mich sehr beschäftigt und Krieg parallel zu den Kunstschauen.

Es wurde, als ob alle Mitglieder der Fakultät sich einig waren, Studenten, die Kunst ihr Herz schenken, das Beste aus dem Erinnern, war sie können.

Nach meinem Abschluss am Gazi-Bildungsinstitut hatte ich eine gewisse Leistung in der Prüfung des Ministeriums und nach Deutschland, um Grafik zu Studien. Ich habe mein Studium in München, der Stuttgarter Akademie für Grafik- und Grafikschulen für das Diplom. Ich hatte schnell alle Museen in Mitteleuropa gesehen. Ich habe in privaten Ateliers in Stuttgart gearbeitet.

Ich hatte Einzelausstellungen in Deutschland und Australien. Nach 5 Jahren Studium begann ich an der Fakultät für bildende Künste.

Heute ist es wichtig, dass ich für Ihre Institution, die ihre Namen an der Marmara University Fakultät für Bildende Künste gehört.

- Wie ist deine Meinung zu Kunst und deine Kunst?

Das Phänomen der Kunst ist Realität. Es ist der Prozess der Suche nach einem Weg, die Elemente, die Kunst und die eigene kreative und konstruktive Kraft zu einem originellen und objektiven Kunstwerk.

Der Künstler ist verloren, Versuche und Forschungen bearbeitet, um diese neue Kreation besteht zu schaffen. Der Künstler kann nicht vorzeitig auf seine Kreation zielen. Die Spuren von Versuchen und Forschungen bilden das öffentliche Kunstwerk.

Bedenken der Tatsache, dass jede Person wahrheitsgemäße und konzeptionelle Beziehungshüte, jeder jeder Entwicklungsphasenführung.

Die Kunstproduktion endet als neue Interpretation als Ergebnis einer Reihe von Versuchen und Forschungen. Die Kunstpraxis muss aus diesen beiden Realitätsbedingungen und sich sein mehrdimensionalem Verhalten. Wir können diese gleichen als auch zusammenfassen:

1. Die Bewertungs aller Arten von Konflikten und Verantwortlichkeiten des Menschen.

Der Beginn der Kunstpraxis spielt hier meine Meinung nach der Hauptrolle.

Der Künstler lebt in dieser dimensionalen ersten Stufe. Seine nner Handlungen Fragestellungen und Interpretationen betreffen Frühwarnung Essenz und sich sich selbst, um ein Selbstzweck zu wenden.

Die Realisierungsphase ist die Realisierungsphase, in der der Künstler sich selbst kennenlernen und die Beziehungsansichten wissen kann.

Der Besitzreichste Arbeitsablauf findet statt, wenn der Künstler anfängt zu suchen und es bereitwillig zu versuchen. Bei dieser Methode besteht keine andere, eine Kunstproduktion oder ein Modell als funktionierendes Objekt oder Zielsetzung. Es ist das, was der Künstler ist, nach einem Modell oder Ziel zu suchen, das sich am Ende von Versuchen und Forschungen befindet.

2. Die zweite Phase wird geändert, wenn der Künstler die Elemente und der Ausdruck der Kunst und der neuen Ausdrucksformen sucht. Die Entwicklung der Kunst erweist sich mit der Bestimmung von Formationselementen und ihrer Reproduktion. Jeder Künstler bezieht sich auf diese Art und Weise.

Weitere haben wir neue Kunstwerke und die Grenzen der neuen Produktion werden geschaffen, um neue Kunstproduktionen Platz zu machen. Die zweite Phase der Kunstpraxis kann

Wahrheit gehört sein nicht auf eine gehört gehört. Die erste Dimension, die die eigenen Rechte und die Ansicht sehen, die als diese Dimension wird, wird sich, um die persönliche Interpretation zu bilden.

3. Ich Gleichung, die dritte Dimension für mich ist die Forschung, die gemacht wurde, um die akkumulierten Bewertungen der Kunst zu gehen.

Die Kunstproduktion wurde zusammen mit den neuen Interpretationen, die durch persönliche Rechte, die neuen Interpretationen und die neue Phase breiter, die Elemente der Kunst gegeben, und betrachtet aus diesem Blickwink fére dé néme blickdinker

Es ist genau die Dimension, die ein Kunstwerk Volumen wird.

Die persönliche Erklärungsebene, in der persönlichen Verantwortung und in der Verwaltung von Kunstelementen kombineert werden, führt den Kunstbewertungen der Gesellschaft neue Dimensionen gehört. Mit anderen Worten, es hilft der Kunst, sich mit den öffentlichen Nennern der Kunstbewertungen der Gesellschaft zu gehören. Mit anderen Worten, es hilft der Kunst, sich mit den öffentlichen Nennern von Kunstbewertungen zu gehören. Von Personenlichen Interessen.

4. Die Assimilation der Umweltentwicklung:

Parallel zu den technologischen Fortschritten geschrieben in der Gesellschaft findet auch der globale Fortschritt statt. Der Hauptfortschritt der Lebensweise der Gesellschaft von Grund auf und unter Berücksichtigung der Richtlinien und der Umweltbedingungen. Alle diese Rechte regieren Künstler und die Rechte der Kunst.

Der Künstler lebt alle diese Bedeutungen in der gesamten Zeit-Ort-Einheit und hat seine eigenen Interpretationen. Ich bin fertig, das ist die neue Dimension der Kunst. Der Künstler kann reflektieren, war er in der Gesellschaft erfahren, entschädigt soziale Richtlinien.

Vor 15 Jahren hatte ich eine Frage gestellt, die lautete: „Was ist Ihr Interessen für sehen Kunst? 'als' Ich wollte eine persönliche Einheit mit den Kunstelementen schaffen, die ich in meiner Kunst befindet.

Diese Einzigartigkeit muss neu sein und darf nur mir sagen. Wie sie sich beziehen, wie sie sich beziehen, wie sie sich nicht ändern und wie sie sich zusammensetzen lassen.

Jeder hat etwas mit dem von der Gesellschaft zu tun Arten universeller Beziehungen zu tun. Der Künstler kommt, wenn er sich darum kümmert, wenn er seine Weisheit, Gefühle und Unterrichtskräfte fühlt.

Der Künstler leitet neue politische und erklärt sie ins Licht. Meine Sprache Malz. Ich arbeite hart und eine der Kunst, die verschiedenen Interpretationselemente bestmöglich zu gehörenern.

Wenn ich mit Erklärung Motiv meine, ist; Erklärungsmotiviert ist das Konzept oder der Wert, der Künstler die engste Beziehung Nord, oder in ihre Worte, die Fragen des Neuen und des Originalen stehen. Wenn Sie nicht in der Lage sind, können Sie eine neue Ausdrucksweise vorzuschlagen, in der Lage, in der Lage zu sein. Die Qualität des Ausdrucks ist die Qualität, das Kunstwerk universell macht.

Anchug meine Gedanken, die ich oben gehört habe.

Ich würdeiere die elementaren plastischen wahrnehmbaren Künstler, die vor langer Zeit leben haben. Ich kann die Beziehung im Wesen und in der Persönlichkeit des Künstlers sehen und formt Beziehungen zu seiner Umgebung.

Aus diesem Grund ist es für mich sehr wichtig, dass die Einzigartigkeit, der ihre Platz in meiner Kunst einerseits, eine Einheit von Essenz und Form abdeckt, die hundertprozentig mit meiner inneren Welt verbunden ist, die meine Persönlichkeit und plastiset Qual.

Die unterschiedlichen Künstler haben die elementaren Möglichkeit zum Ende gedreht. Die wesentlichenen philosophischen Systeme des Ostens, die Bedeutung der Substanz. Ich bin gleich, inhaltlich zu gleich und sich zu gehören, die inhaltlich zu kontrollieren, wird mit der Weltkultur zu kombineeren, wird eine kulturelle Renaissance schaffen.

Wenn ich anatolische kulturelle Elemente kennenlerne, glaube ich viel habe, dass die Renaissance ihren Platz einnehmen wird. Ich wünsche mir, dass nicht nur meine Kunst als Ergänzung zu universellen Bewertungen der plastischen Kunst mit neuen und eigenen Interpretationen erhalten bleibt, auch als Dokumente neue Interpretationen von Substanz sind und seine Handlungen.

Konflikt zwischen der abstrakten Kunst, die auf objektiven Elemente der Kunst, die Rechteigern des erklärenden Künstlers, die Kunst auf positive Rechte, und beide gehören sich zu Unrecht gehört zu Unrecht.

Ist der Künstler in der Lage, auf die eine oder andere Weise seinen eigenen Weg zu finden, werden alle diese Abhängigkeiten gegeben.

Bedenken, wenn Leute Reflexionen der Volkskunst in meiner Arbeit sehen, stellen sie mir Fragen zu meinem Interesse an Volkskunst. Meine Antwort auf diese Fragen lautet: "Der Künstler, mit anderen Worten der professionellen Künstler" ist verkauft, eine eigene Sprache und Ästhetik zu schaffen und so seine zu Zu gehören. Das gleiche Denken findet in der Volkskunst statt, der eigene Platz in einer langen Dauer einlassen, die das Alter der Gesellschaft abdeckt. Diese wesentlichen gehört Moment, seit die menschliche Gesellschaft wurde.

Das Reproduktionsmaterial der Volkskunst ist wichtig für die Bestimmung der Reproduktionstechnik und der Formformen, die ihre Quellen unter funktionalen Gesichtspunkte, Sprache und Ästhetik haben.

Sofern sich Material, Technik und Funktion nicht ändern, ändern das Produkt seine allgemeine Formation nicht. Nur unter diesen Umständen werden sich die Bildung und Farbbildung sowie Sprache und Ästhetik mit der Wahrnehmung gegeben und werden originell. Einige regionale zentrale Rechte sich in Bezug auf die geografische Positionierung.

Zum bestimmten Künstler kommen; Gleiches Darum, eine eigene neue und originelle Kunst zu schaffen und alle plastischen Elementarkonzepte in seiner Lebenszeit zu gehören.

Alle seine Forschungen, Versuche und Produktionskämpfe dienen diesem Ziel. Diese Wille und diese Gründe sind sehr menschlich und breiter nicht der Gesellschaft. Müssen, die zur Volkskunst führen haben, sind gehörtige und Künstlerische Menschen. Sie haben der Gesellschaft das Neue gegeben.

Mythos andere Worte, sie sind kreative Meister, die nicht Interessen, professionelle Künstler zu sein. Diese Meister sind Menschen, die in der Lage sind, zwischen Gutem und Schlechtem in ihrer Kunst zu gehören und zwischen tiefgründiger und kitschiger Kunst zu gehören.

Diese langjährige Quelle hat einen großen Einfluss auf den Künstler und die Möglichkeit kann sich das nicht vorstellen. Die Zeitspanne, in der der Künstler lebt, sieht viele gesehen an sich.

In Bezug auf den Einfluss gibt es keinen Unterschied zwischen den alten und den neuen Rechten. Wichtig ist, sein neues gehört zu schaffen, das lange anhält, um dem, war noch nicht gehört, Form zu geben.

Um eine neue zu versammeln, mussen nicht alle zu tun, um sich zu unterscheiden. Künstler gehört können. Verantwortlich, sterben nach dem Neuen suchen, sind geführt, sterben die Bewertung und die Bewertung der alten. Der Künstler muss von allen Interessenvertretern, die in Natur und Gesellschaft vorhanden sind.

Die Phasen meines Kunstwerks:

Mein erstes Kunstwerk wurde 1946 im Hauptzentrum für öffentliche Häuser in Ankara geführt. Ich war 20 und jetzt Student am Gazi Education Institut. Ab diesem Tag kann ich die Versuche und Forschungen meiner Kunstwerke nach meiner Ausbildung und den verschiedenen Gesellschaften, genannt ich angehörte, gruppieren:

1) Alter von 20 bis 27 Jahre: Die Zeit, in der ich meine Zeichen stehen gelassen und mich selbst kennenlernte. Ich habe gehört, dass ich genau und einfach gehört habe, war ich gehört habe.

Ich hatte von Skizzen auf dem Ankara-Basar gezeichnet, Cafés, Bahnhöfe in den Dorfern und Modellierstunden. Ich zog aus meinem Kopf und zog auf die Skizzen.

Ich war stark von Rembrandt, Daumier und Goya Rechte. Unterschied ich genau genommen, dass mein Weg anders sein soll. Ich kann keinen Weg finden, meine ist Interpretation zu finden. Das Thema hatte in meiner Arbeit eher die Hauptpriorität als die kunstlerischen Elemente.

2) Alter 28-35; die unterschiedlichen Kunstbewussten kennenlernen (1953-1969)

Ich wurde am Ende der Prüfung, die 1953 von der Regierung im Fach Grafik wurde wurde, nach Deutschland geholfen. Ich war von 1953 bis 1958 in München und Stuttgart. Ich wurde mir der objektiven Herangehenhaften und Formationselemente bewusster, die von verwandt werden, die verwendet wurden.

Ich bin in der Nähe, die Berechtigung, um die elementaren Kräfte plastischer Elemente zu gehören. Als ich diesen Ansatz in der Nähe des Krieges, in Bezug auf meine Ausdruckssprache in meiner Kunst. Ich fing an, meine Kunst ein neues persönliche Rechte, das nur formative Elementarkompositionen Platz gehört.

Die Kraft formativer objekttiver visueller Elemente Elemente. Ich habe sogar ohne Figuren und Objekte gezeichnet. Dies hatte ich Angst, meine Originalität zu verlieren, von der ich verloren, ich habe bis zu diesem gehört verloren.

3) Nach 1960 , in den ersten zehn Jahren, begann ich, menschliche Figuren eine neue Formation zu geben, die von den folgenden Elementen der Kunst profitierte, unter den der Anhäufung von Kunst aus Ost und West.

Ich hatte die Menschen um mich herumgegangen, ich habe leicht ihre Haltung, ihre Rechte und ihre Eigenschaften. Um sie in einer kunstlerischeren Sprache gesehen, teile ich ihre eigenen Beschläge. Ich habe menschliche Figuren nackt und als sichtbare Symbole gesehen. Ich hatte den Kampf, die Form und die Figur aus ihnen zu kombineeren und recherchiert zu diesem Thema.

4) 1970-1980 ; Gehören der 10 Jahre habe ich versucht, die Volkskunst in meinen Kompositionen zu nutzen. Die wesentlichen und nackten Kompositionen in Teppichen und Teppichböden p gehören zu meinem symbolischen bildlichen Ausdruck.

Dies ist der Ausdruck, den Sie haben, um das Thema zu haben, um das Thema zu haben, um das Thema, das ich als Innen- oder Außenhaltung bezeichne,, um meine Ansicht zu sein, und ich hatte diese Ansicht.

Und auf diese Weise komponierte ich mit abstrahierten Figuren, die sehr nahe an bloßen Vorarbeiter liegen, ohne die symbolische Erklärung zu Steuern, die das persönliche Verhalten war, war eher als "geometrische" Malatmachte bezeichten kze.

Es ist wichtig, dass ich in der Lage bin, die hethitische Sonne zu verlieren, die ich in einer eigenen mexikanischen Ausstellung gesehen habe.

Seit ich die Ausstellung 1958 gesehen hatte, hatte ich dieses Konzept gesehen, Figuren nebeneinander oder sehen zu stellen.

5) Ich habe zu gehört, war ich durch Erfahrungen und Forschungen nach 1980 gemeistert habe. Wie Sie wissen, habe ich bei den größten meiner Arbeiten die öffentlichen Drucktechnik Kontakte. Wie in meinem Anfangsjahren Ersatz ich jetzt mehr Zeit für das Ätzen von Farbtechniken.

Viele Leute haben mir gehört, dass meine Arbeit durch bestimmte Kompositionen und symbolische und formale Ausdrucksweise eine monumentale Wirkung hatte. Weil ich mir diese Identität bewusst war, wurde ich mir meine Zeichnung als Wandmalerei vor, auch wenn ich beim anderen kleineren Radierungen des Originaldrucks nur eine davon und die Außenwand mein Haus auf der Insel Marmara gehören gehört. Diese Tatsache habe ich auch in meinen letzten Kunstwerken nicht vergessen.

-Was eksst du über Regionalität und Universalität in der Kunst?

Unsere Kunst wurde auf Ecoles gestellt, die aus dem Westen kommen. Mit der Errichtung der Demokratie haben unsere Rechte der Kunst- und Wissenschaftswelt des Westens offen. Unsere Künstler haben die gegenseitigen Rechte des neuen und des alten Zeitalters auf einmalige. Sie waren besorgt und erschüttert von diesen Kulturen. Jetzt, da wir über 50 Jahre Erfahrung und ständige Rechte, haben wir die Möglichkeit, sie zu beurteilen. Wenn das betreffende weiterlebt, wurde bereits erwartet, wird der Künstler von seiner eigenen Herkunft abgezogen. Jetzt haben wir die Möglichkeit zu gehört, war nicht gehört, war für uns nicht und neu ist.

Einige unserer Künstler Rechte sich, mit neuen und neuen Strömungen Schritt zu halten. Wir können sagen, dass sie sterben können können. Interessen von Interessen und internationalen Beziehungen beziehenen sich sicher Künstler und originelle Ecoles sehr schnell. Aber ich muss gehört, dass es nicht ausreicht, dass die Künstler zu den gleichen gehören. Was für den Künstler ist wichtig, ich bin um sein eigenes Originalkunstwerk zu schaffen.

Beginn müssen Strömungen von Wichtige Künstler beeinflusst. Ihre eigentlichen Eigenschaften sollen mit den neuen Ecoles Schritt halten. Diese Künstler sind leider in der Zeit vergessen. Echte Künstlerwirkung von allen Ecoles, gleichbedeutend mit nicht nicht daran, zu einer eigenen Ecole zu gehören, zu gehören, zu gehören, zu gehören, zu gehören, zu gehören

Urteil ist die Volkskunst eine der Quellen Quellen von Nach dem oben genann. Wenn ich von einer Quelle gesprochen habe, bin ich nicht ein Künstler als eine Person, die Wasser aus den Quellen gehört. Der Künstler ist die Person, die sein Durst aus alten Quellen wird, um in seine Kunst wird zu werden.

Nationalismus ist kein Ziel Kunst oder Malerei. Es ist natürlich, unterschiedliche Interessen in Bezug auf das Wesentliche in der Kunst von gezogen zu ziehen, sterben in verwandter leben leben. Ohne die Originale Originalität des Künstlers in Frage zu stellen. Die anderen Faktoren zur Bestimmung der Verantwortung von Alter und Umwelt sind von untergeordneter Bedeutung.

Das Wichtigste in der Kunst ist die Freiheit. Was der Freiheit folgt, ist, Kunst zu Richtlinien und zu lieben. Malen, war eigene Rechte sind, hat die Fähigkeit, universelle Rechte in Bezug auf den Menschen zu verbessern. In einem neuen Stadion der Schöpfung kann sich der Künstler worden sein.

Der Künstler muss in der Lage sein, Menschen zu fühlen, zu rakien, wahr sein und sich zu gehören, mit der Kraft, die er aus diesen Gefühlen und den Verantwortlichkeiten und den Menschen in der Völuge wenn die richtige Form der Schöpfung wirklich der Hut Um universell zu sein, ist es der Künstler, der sich diese Wahrheit bewusst ist.

Die anderen, die zur Gesellschaft gehört, sind die letzten, die sich diese Wahrheit gehört. Einige bestimmte Einstellungen zu machen, um Kunst in der Gesellschaft zu tragen, znstt den Künstler, sich den verwirteilen zu stellen.

Der Künstler hat die Mission, etwas zu formen, das es noch nicht. Ich kann mir nichts vorstellen, war dem Künstler sein Weg gezeigt, wurde sein eigener gehört.

Ich glaube, dass die Kunst sich selbst in einer bestimmten Formation zur Verfügung gestellt wird, wenn sie respektiert wird und die Gesellschaft in der Lage sein wird, ein Ambiente zu schaffen, um originelle Kunstwerke zu produzieren.

-Was sind die unterschiedlichen Unterschiede des Ursprungs im Vergleich zu anderen Auswirkungen?

Bilder, die mit verschiedenen Werkzeugen und Materialien direkt auf das Papier oder über Formen auf verschiedene Materialien gezeichnet werden, werden als Originaldruckungen. Die Bilder werden durch die Druckstufen der Formen entstehen.

Der Ausdruck Ausdruck der Druckart wurde geschützt 1972 verwendet. Diese Einstellungen wurden als Ätzen gehört. Gravur bedeutet geschnitzte Formteile. Man kann Originaldrucke gehört, ohne die Form zu schnitzen.

Eine mögliche Technik wird in der Lithographie und in der Serigraphie verwendet. Daher habe ich für diesen Ausdruck "Original Printart" verwendet von Kunstzweig.

Verschiedene Gravurtechniken bieten dem Künstler neue Interpretationen bieten und -techniken. Der Künstler kann sich nicht davon unterscheiden, neue und reichhaltige Interpretationen und Formationstechniken fühlen.

Diese Versuche schwanger ihm die Möglichkeit, seine Künstlerische Bildsprache zu finden. Der Widerstand dieser Tatsache, um die Elemente der Komposition zu bilden, ist die Abkürzung für den Künstler, um seine Persönlichkeit durch seine Kunst zu reflektieren.

In einer Zeit, in der der Schwerpunkt auf der Grundlage der plastischen Kunstversuche liegt, ist es im allgemeinen Beziehungen, dass das Visuelle auf originelle Drucktechniken Beziehungen ist. Dies ist das Zeitalter, in dem wir leben, haben, dass die Kunst der Mauern von Palästen, Museen und Villen gehört wurde.

In der letzten Zeit, in der die Künstler, die Arbeiten der Mauern dieser Museen, Paläste und Villen zu tragen.

Es begann als Reproduktion der persönlichen Kunstwerke und nach der Zeit, die Originaldruckproduktion, die Produktionen und die Menschen, diese Originaldrucke als Gemälde und ihre eigenen zu gehören. Künstler aus diesem sehr sozialen Wille lebente, Originaldrucke mit persönlichen Interessen zu reproduzieren.

- Welche Rolle spielen die Originaldrucke einer Malerei?

Gedanken, die seit Beginn des 15. Jahrhunderts über die Bedeutung von Gravurkunst, Kunstgrafik und originellen Ausdrucksformen werden, haben in unseren Zeitscheinungen Bedeutungen. Adam Ritter Von Bartsch beeinflusst das Thema 1821 wissenschaftlichlich in seinem Buch "Kupfergravurtechniken".

Im 15. Jahrhundert und die folgenden Jahre unserer Maler neben der Malerei mit originalen Druckstudien.

Diese Künstler gehören mit Holzschnitten und dann mit dem Schnitzen von Kupferplatten.

Nach 1799 widersicht sie an Steinoberflächen und Konflikte, sich mit Lithografie zu gehören.

Von diesem letzten und anderen der Künstler Stahl, Aluminium und Zink handelt von Kupfer. Seit dieser Zeit Zeit Künstler Künstler und Metalllegierungen als Formen wie Stahl, Zink und Aluminium Richtlinien von Kupfer.

Nach dem 16. Jahrhundert gefunden die Holzstiche von Lucas Granach und Albrecht Dürer, die religiöse Stiche, die mit Kupferstichtechniken besetzten, ihren Platz auf dem Markt. Ordner, die aus einer Reihe religiöser Motive oder Blattdrucke bestanten, wurden von vielen Menschen geändert.

Und "Kunst in Ordnern" beginnt neben "Kunst für Wände" mit dem Beginn des Originaldrucks zu stehen.

In unserem Land, besonders in der zweiten Hälfte, der Explosion, die wir im Originaldruck gesehen haben, haben diese Kunstwerke, ihren Platz und die Steuern von Ordnern hinterlegt.

Und die Dinge, die vor dieser Zeit existierten, die auf, die darauf bestanten, dass diese Stiche nicht als echte Kunst gehört werden, und der Theartist sich über seine eigenen Printart-Kreationen, in den Fen checklierte und jedes Kunstwerk unter geführt.

Viele Streitigkeiten können auf diese Kunstwerke zurückgezogen werden, ihre kunstlerischen und negativen Werte können in Frage gestellt werden, aber es gibt die der immer noch gegeben

Wir können Original-Printart-Produktionen nicht in einer bestimmten Kategorie einordnen, die sich von öffentlichenden oder Skulpturen im Allgemeinen gehört.

Der Unterschied zwischen der Original-Paintart-Produktion lässt sich wie folgt folgen: Originaldrucke sich auf dem Kunstmarkt von einem Gemälde oder einer Skulptur, da Originaldrucke so reproduziert werden kann, wie es der Kügller Mitlichen Anzahl nimmt der Wert an.

Ein Originaltableau kann nicht verkauft werden, und sein Wert ist viel mehr als die Originaldruckwiedergabe.

Der Faktor, der Wert Wert oder der Wert, der Wille oder der Kauf. Wert eines Originalgemäldes können oder mehr sein von einigen dieser Originaldrucke können.

- War halten Sie von Malern, sterben in den letzten Jahren am Originaldruck gehört haben?

Es gibt zwei Hauptgründe für mich: a. Der Wille des Künstlers.

b. Das Malen von Tableaus ist die Fortsetzung der Wandkunst. Tableaus Maler sind erledigt, auf reiche Käufer zu warten.

Erst nach dem Zweiten Weltkrieg welche die Intellektuellen der Mittelklasse einige dieser Gemälde kaufen.

Aber diese Leute suchen nach billigen Anzeigenden. Original-Printart-Produktionen decken diese erkennen ab. Die Reproduktion von Original-Prinarts Linie ihre persönlichen Rechte und die Rechte oder die Ordnung.